La fotografía continúa manteniendo una posición central en
el arte del s. XXI.
La convención de lo analógico hacia lo digital, que comenzó
hace 20 años trajo consigo una revolución: la muerte de la fotografía o bien el
nacimiento de la era post-fotográfica.
La conversión analógico-digital implica algo más que un
cambio tecnológico.
Abre el debate sobre los valores y mitos de la fotografía.
Daguerre y Talbot
promovieron la invención fotográfica como algo que hacía que los objetos se
dibujasen de forma natural, sin tener la presencia del trazo del artista.
Esta afirmación es la que provocó esa confianza y esa garantía de documento fidedigno de la fotografía. "All things are equal under the sun”.
Esta afirmación es la que provocó esa confianza y esa garantía de documento fidedigno de la fotografía. "All things are equal under the sun”.
Las
cualidades automáticas de la fotografía son valoradas como positivas:
preservación de documentos históricos, ciencias, criminología, medicina…
Las cualidades artísticas de la fotografía no eran reconocidas.
Henry Fox Talbot, «The Pencil of Nature», 1844 – 1846 Primer libro ilustrado fotográficamente a ser publicada comercialmente.
Las cualidades artísticas de la fotografía no eran reconocidas.
Henry Fox Talbot, «The Pencil of Nature», 1844 – 1846 Primer libro ilustrado fotográficamente a ser publicada comercialmente.
Por
ejemplo: ¿La fotografía es un documento verídico?, ¿representa una realidad que
puede ser verificada?
Este cambio tecnológico ha modificado nuestra vida cotidiana.
Las cámaras analógicas apenas se venden, y muchos laboratorios fotográficos han cerrado, o ha reconvertido sus procesos hacia lo digital.
Los nuevos formatos
digitales también suponen un problema de almacenamiento de la imagen y sus
consecuencias posteriores. Formato Raw Este cambio tecnológico ha modificado nuestra vida cotidiana.
Las cámaras analógicas apenas se venden, y muchos laboratorios fotográficos han cerrado, o ha reconvertido sus procesos hacia lo digital.
Las fotografías digitales pueden procesarse directamente en el ordenador y distribuirse en Internet.
Una vez en la red pueden ser interconectadas con texto, iconos, sonido, vídeo….La diferencia entre la fotografía analógica y la digital radica en esta transformación y cambio de aplicaciones de la fotografía tanto en el ámbito privado como en el profesional.
La fotografía pierde su materialidad, puede ser borrada o modificada instantáneamente, sin dejar rastro de su forma original anterior.
El uso de fotografías como documentos, o como la verificación de la existencia de algo, estaba basado precisamente en esta materialidad (basada en el proceso óptico y químico de la influencia de la luz sobre la materia).
Esa huella es lo que se pierde y se modifica.
Esta pérdida de la materialidad posibilita la duda.
El periodismo continúa mostrando fotografías como estrategia de autenticación.
Las
nuevas formas de comunicación permiten enviar fotografías por teléfono mientras
se habla, para permitir una intensificación de la inmediatez de la fotografía
digital.
A finales de los años 80 y principios de los 90, teóricos y comisarios de exposiciones de fotografía, comenzaron a investigar las significaciones que la nueva imagen electrónica estaba comenzando a introducir dentro de las prácticas fotográficas.
La rápida permeabilización de los procesos digitales fotográficos, así como el abaratamiento de ordenadores, escáneres, impresoras y software hicieron que pronto tanto la población como los artistas comenzasen a trabajar con estos nuevos materiales, marcando un antes y un después.
En 1989 la fotografía había muerto, al igual que había sucedido con la pintura 150 años antes.
La fotografía fue decisiva para provocar una ruptura entre la industrialización mecánica y la nueva era de la gráfica y del hombre electrónico.
A finales de los años 80 y principios de los 90, teóricos y comisarios de exposiciones de fotografía, comenzaron a investigar las significaciones que la nueva imagen electrónica estaba comenzando a introducir dentro de las prácticas fotográficas.
La rápida permeabilización de los procesos digitales fotográficos, así como el abaratamiento de ordenadores, escáneres, impresoras y software hicieron que pronto tanto la población como los artistas comenzasen a trabajar con estos nuevos materiales, marcando un antes y un después.
En 1989 la fotografía había muerto, al igual que había sucedido con la pintura 150 años antes.
La fotografía fue decisiva para provocar una ruptura entre la industrialización mecánica y la nueva era de la gráfica y del hombre electrónico.
Servomecanismos, extensiones del cuerpo, hombre máquina, hombre rueda,
hombre arma, el ser humano se extiende, el sistema puede ser mecánico,
Servomecanismos al servicio del hombre. “El medio es el mensaje”
Marshall
McLuhan, “Understanding Media” The
Extensions of Man, Cambridge ,
MA
Vilém Flusser
Las imágenes tecnológicas son un nuevo tipo de medio completamente diferente a la imagen tradicional.
Las imágenes tecnológicas son un nuevo tipo de medio completamente diferente a la imagen tradicional.
“Estar en el universo fotográfico
significa experimentar, conocer y valorar el mundo en función de fotografías
(…)”, con lo que “(…) la cámara fotográfica se confirmará como el antecesor de
todos aquellos aparatos que trabajan para la robotización de todos los aspectos
de nuestra vida, desde los gestos exteriores hasta lo más profundo del
pensamiento, del sentimiento y de la voluntad.”
“Lo que está a debate aquí es la
diferencia entre (…) informaciones generadas intencionadamente e informaciones
generadas automáticamente.”
“Es, por tanto, la tarea de una
filosofía de la fotografía el mostrar en el terreno de la fotografía esta lucha
entre el hombre y el aparato y reflexionar sobre la posible solución del
conflicto.”
“La fotografía está por convertirse de
objetos postindustrial en información pura. Muestra de manera ejemplar la
transición de la sociedad postindustrial a la sociedad de la información pura
(…) La fotografía es uno de los fenómenos más fascinantes del presente y del
futuro inmediato y, ciertamente, no solo como fotografía sino sobre todo como
ejemplo”
Vilém Flusser, “Into the universe of technical images” Göttingen, 1992
Ambos ven la era digital como una consecuencia directa de la revolución fotográfica
1960-1970 la fotografía como arte
Libros de artista (fotográficos):
“Twenty six Gasolina Stations”
"Every Building in the sunset trip”
Hans
Peter Feldmann "All of a woman´s
clothes"
New topographics (Nueva topografía):
Afinales
de los 70 se presenta un grupo de artistas bajo la denominación “New
Topographics”. Su objetivo es romper con los conceptos tradicionales de la
fotografía de paisaje, heredados del Romanticismo, buscan representar el
paisaje real más que el paisaje ideal. El planteamiento de los “new topographics”
es totalmente opuesto al clásico. No es una mirada idealizadora, simbolista,
sino más bien de tipo documental. No hay una idea de naturaleza virgen, sino
más bien de los efectos de la acción del hombre sobre la naturaleza. Finalmente
se trata de desarrollar una nueva estética, nuevos patrones de contemplación.
Los
planteamientos del new topographics permiten un resurgimiento del paisaje en la
fotografía, a mismo tiempo surge la llamada filosofía
del paisaje (estudio de las relaciones entre hombre y naturaleza, reflexión
sobre los resultados de esa relación).
El
género del paisaje había desaparecido prácticamente de la fotografía europea.
La razón es la falta de escenarios como los de América. No queda en Europa un
palmo de territorio virgen mediante el que expresar el modelo de Naturaleza de
los románticos.
El
“no lugar” es la idea que vertebra la nueva fotografía de paisaje en Europa. La formula el sociólogo Marc Augé. El
no lugar es aquel lugar ubicuo que no corresponde a la tradición, la historia o
el uso, viene a ser la guía de la nueva fotografía. La desestatización de la
imagen fotográfica es otra de las pautas de la nueva fotografía, se trata de
registrar, no de construir belleza.
"Topografías Nuevo: Las fotografías de un paisaje alterado por el hombre" fue una exposición que resume un momento clave en la fotografía de paisaje americano. La muestra fue comisariada por William Jenkins en el Museo Internacional de Fotografía de
La exposición tuvo un efecto dominó en todo el medio y el género, no sólo en los EE.UU., sino también en Europa donde las generaciones de fotógrafos de paisaje emulado y todavía (2009) emulando el espíritu y la estética de la exposición.
Desde 1975, "Nueva
topografías" fotógrafos como Robert Adams, Lewis Baltz, Bernd y Hilla
Becher, Gohlke Frank y Stephen Shore han influido en las prácticas fotográficas
sobre paisajes de todo el mundo. Por otra parte, y como prueba de los efectos
de esta exposición, más allá de la escena americana, tres de los diez
fotógrafos en el espectáculo se encargaron más tarde por el gobierno francés
para la Misión
de la DATAR , es
decir, Lewis Baltz, Frank Gohlke, y Stephen Shore.
Roland Barthes
La fotografía como índice (causa-efecto). Conexión directa con el referente.
La imagen fotográfica es una huella o el "efecto" del objeto que ha sido fotografiado.
"La fotografía sólo adquiere su valor pleno con la desaparición irreversible del referente, con la muerte del sujeto fotografiado. La esencia de la fotografía es precisamente esa obstinación del referente en estar siempre ahí.[…] la fotografía es la momificación del referente. El referente se encuentra ahí, pero en un tiempo que no le es propio". Barthes, 1992.
Libro: La cámara lúcida
La fotografía como evidencia criminal es utilizada por algunos artistas (utilizan el texto para ilustrar la imagen):
La fotografía como índice (causa-efecto). Conexión directa con el referente.
La imagen fotográfica es una huella o el "efecto" del objeto que ha sido fotografiado.
"La fotografía sólo adquiere su valor pleno con la desaparición irreversible del referente, con la muerte del sujeto fotografiado. La esencia de la fotografía es precisamente esa obstinación del referente en estar siempre ahí.[…] la fotografía es la momificación del referente. El referente se encuentra ahí, pero en un tiempo que no le es propio". Barthes, 1992.
Libro: La cámara lúcida
La fotografía como evidencia criminal es utilizada por algunos artistas (utilizan el texto para ilustrar la imagen):
Joel
Sternfeld “On this site" (crime
scenes)
Central
Park, al norte del Obelisco, detrás del Museo Metropolitano de Arte, Nueva
Cork, mayo de 1933.
Imagen
del árbol de manzano silvestre en el Central Park en las que se encontró el
cuerpo de Jennifer Levin en la mañana del 26 de agosto de 1986.
“518 calle 101, Barrio
Love Canal, Cataratas del Niágara, Nueva Cork, mayo de 1994”
Desde el 1920 hasta la década de 1950, la ciudad de las
Cataratas del Niágara, el Ejército de los Estados Unidos, y la Corporación Hooker
Sophie Call “The shadow" “The hotel"
La
fotografía como producto duplicable trae consigo un nuevo problema (que no es
tanto el problema de los artistas como de las industrias y empresas).
Es necesario marcar la fotografía como copyright para protegerse de los derechos de explotación de los productos.
Rosalind Krauss: La fotografía es un medio que directamente produce copias. Un medio con el cual pueden existir las copias de forma independiente del original.
Para Krauss, en la fotografía, incluso el negativo es una copia de una escena de la realidad.
En este caso el concepto de autor, está reñido con el de copyright
Libro: Lo fotográfico. Por una teoría de los desplazamientos.2002
Apropiacionismo:
De entre todas las expresiones artísticas que surgen con la llegada de
la posmodernidad el llamado Apropiacionismo se manifestó de la manera más
heterogénea y dispersa. Tanto los artistas europeos de Es necesario marcar la fotografía como copyright para protegerse de los derechos de explotación de los productos.
Rosalind Krauss: La fotografía es un medio que directamente produce copias. Un medio con el cual pueden existir las copias de forma independiente del original.
Para Krauss, en la fotografía, incluso el negativo es una copia de una escena de la realidad.
En este caso el concepto de autor, está reñido con el de copyright
Libro: Lo fotográfico. Por una teoría de los desplazamientos.2002
Apropiacionismo:
La obra de Sherrie
Levine, desde comienzos de la década de los ochenta consistirá en
fotografías re-fotografiadas de obras muy conocidas de artistas masculinos como
Walter Evans, Eliot Porter o Alexander Rodchenko. En su serie “Alter Walker
Evans” (1985), Sherrie Levine, se limitaba a fotografiar y firmar por ella
misma una serie de fotografías originales de Walker Evans (fotógrafo
documentalista de la primera mitad del siglo XX). De este modo, la autora se
apropia descaradamente de una imagen artística cuestionando los conceptos de
originalidad, autoría y aura en la obra de arte. Según ella misma, no cabría
hablar de falsificación ni de copia sino de un concepto nuevo denominado
“apropiación” consistente en el empleo consciente de elementos pertenecientes a
otras obras artísticas, bien de su misma época o bien de épocas precedentes,
para desarrollar parcial o completamente una obra que firma como propia.
Richard Prince se apropia de todo un
repertorio de imágenes pertenecientes a una campaña publicitaria de Marlboro
llena de cowboys y escenas típicas del western americano. Prince se limita a
recortar o alterar muy levemente dichas imágenes y a eliminar toda referencia a
la marca publicitaria. De este modo, la imagen, al carecer de su contexto,
piede su sentido y significado pasando a adquirir otro totalmente nuevo. En
este caso, se podría afirmar que es posible que ya nos encontráramos con este
tipo de operación dos décadas antes en el ámbito del Pop Art (Warhol,
Lichtenstein u Oldemburg). Lo novedoso radica en el ejercicio de reflexión por
parte de Prince en torno al concepto de significación y adulteración del
lenguaje mientras que las operaciones propias del pop-art de la década de los
sesenta simplemente suponían una experiencia eminentemente visual o
estética.
http://www.richardprince.com/photographs/
Siegfried Kracauer, advertía en 1920 del cambio que se produce cuando se
sustituye la experiencia real por la experiencia mediada por la fotografía o el
cine.
”El público observa la realidad a través de los medios de masas y éstos producen una nueva percepción del mundo”
”El público observa la realidad a través de los medios de masas y éstos producen una nueva percepción del mundo”
1995
“De Caligari a Hitler: una historia psicológica del cine alemán” Paidós,
Barcelona.
1996
“La redención de la realidad física” Paidós, Barcelona.
2006
“Estéticas sin territorio” Colegio Oficial de Aparejadores y Arquitectos
Técnicos de Murcia, Murcia.
Susan Sontag: “Sobre la fotografía” habla también del mito de la caverna de platón.
Invención de la imagen electrónica, gracias a la invención del CCD (Charged Coupled Device), 1974.
La luz se convierte en un componente eléctrico.
Posibilidad de manipulación de la fotografía a través de herramientas digitales.
La
tecnología de la imagen digital ha eliminado el modelo fotográfico de
representación.
Siegfried Kracauer “Teoria del cine. La redención de la realidad física”
Walter Benjamín “La obra de arte en su época de la reproductibilidad”
André Bazin
Roland Barthes
Hoy en día la recepción de fotografías está comenzando a cambiar. Empezamos primero dudando de su promesa de veracidad. La imagen digitalizada es una imagen dubitativa. La imagen digital esta caracterizada por su variabilidad intrínseca
Siegfried Kracauer “Teoria del cine. La redención de la realidad física”
Walter Benjamín “La obra de arte en su época de la reproductibilidad”
André Bazin
Roland Barthes
Hoy en día la recepción de fotografías está comenzando a cambiar. Empezamos primero dudando de su promesa de veracidad. La imagen digitalizada es una imagen dubitativa. La imagen digital esta caracterizada por su variabilidad intrínseca
Problema: vulnerabilidad (impermanencia de lo digital). Cambios de software, y de sistemas, ordenadores…..La fotografía digital solamente sobrevive a través del uso. Si uno la ignora, la información desaparece.
Desde el inicio del debate sobre el final de la fotografía, podemos establecer que el cambio radical de lo analógico a lo digital no ha invalidado las nociones de representación, identidad y memoria asociadas con el dispositivo fotográfico, si bien ha contribuido a desestabilizar estas nociones.
William J. Mitchell, The Reconfigured Eye. Visual Truth in the Post-Photographic Era, Cambridge/Mass., 1992
Estrategias de apropiación relación entre identidad y cultura de masas
Cuerpo y espacio
Jeff Wall:
Se presenta a sí mismo como un nuevo pintor de la vida moderna. Sus imágenes se realizan en formatos monumentales.
Reemplaza la pintura como el medio del realismo
Desde los años 90 modifica sus fotografías (dead troops talk, 1992)
La
imagen de esta obra es una relación de cosas desagradables: el montaje está
escondido, enmascarado, pero presente al mismo tiempo.
Sus montajes digitales lo hacen explícito, pero no son muy diferentes en esencia de sus fotos "integrales" sin retocar.
Sus montajes digitales lo hacen explícito, pero no son muy diferentes en esencia de sus fotos "integrales" sin retocar.
”Dead Troops Talk”, 1992
Libro: Jeff Wall interviewed by Arielle Pelec, in: Thierry de
Duve/Boris Groys/Arielle Pelec (eds.), Jeff Wall, London, 1996
Andreas Gursky (alumno de Bernd Becher) comparte con Wall la interpelación entre fotografía y pintura.
Sus imágenes son intensificaciones de realidades visuales.
Interés por las estructuras ornamentales y por el tejido social y la arquitectura donde el individuo se vuelve parte de una masa anónima.
”Montparnasse”, 1993
Andreas Gursky (alumno de Bernd Becher) comparte con Wall la interpelación entre fotografía y pintura.
Sus imágenes son intensificaciones de realidades visuales.
Interés por las estructuras ornamentales y por el tejido social y la arquitectura donde el individuo se vuelve parte de una masa anónima.
”Montparnasse”, 1993
Nancy Burson http://www.nancyburson.com/
Con el proceso electrónico, el retrato individual pasa a ser una imagen despersonalizada de un modelo previo, una máscara o visiones de rostros posibles.
En los 80 Nancy Burson produjo imágenes compuestas a partir de varias personas en la serie “Big brother”
Con el proceso electrónico, el retrato individual pasa a ser una imagen despersonalizada de un modelo previo, una máscara o visiones de rostros posibles.
En los 80 Nancy Burson produjo imágenes compuestas a partir de varias personas en la serie “Big brother”
1983, “Big Brother (Stalin, Mussolini,
Mao, Hitler, Khomeini)”
1982, (Izq.)Bette Davis, Audrey Hepburn, Grace Kelley, Sophia
Loren, Marilyn Monroe. // (Drch) Jane Fonda, Jacqueline Bisset, Diane
Keaton, Brooke Shields, and Meryl Streep.
Inez van Lamsweerde
En
el trabajo “The Forest” utiliza, entre otras cosas, las imágenes idealizadas
femeninas de los medios de comunicación y las manipula utilizando “paintbox”.
Este trabajo fotográfico nos confronta con una cultura en la que el cuerpo está
en peligro de perder su calidad natural.
«The Forest», 1995
«Sasja 90–60–90» 1992
Vibeke Tandeberg
http://vibeke-tandberg.inamarr.com/
Es una serie de 12 retratos en color, tomados todos de la misma manera. Las 12 caras presentan al mismo tiempo elementos similares y distintos. Utilizando como punto de partida una serie de autorretratos, la artista realiza una mezcla numérica de características de su propia cara y de 12 hombres y mujeres elegidos por ella durante su estancia en Berlín.
http://vibeke-tandberg.inamarr.com/
Es una serie de 12 retratos en color, tomados todos de la misma manera. Las 12 caras presentan al mismo tiempo elementos similares y distintos. Utilizando como punto de partida una serie de autorretratos, la artista realiza una mezcla numérica de características de su propia cara y de 12 hombres y mujeres elegidos por ella durante su estancia en Berlín.
“Faces”
Mitra Tabrizian
En
su trabajo combina técnicas de la fotografía documenta, informes y publicidad
para hacer que el espectador esté al tanto de las ideologías que subyacen en la
construcción de las identidades culturales.
Antony Aziz y Sammy Cucher 1994
Aziz y Cucher han estado colaborando en proyectos, en los cuales utilizan sobre todo la fotografía digital, desde 1991. Aziz comenzó con un interés en los documentales y la fotografía, mientras que el trabajo de Cucher se originó en el teatro y el vídeo.
Aziz y Cucher han estado colaborando en proyectos, en los cuales utilizan sobre todo la fotografía digital, desde 1991. Aziz comenzó con un interés en los documentales y la fotografía, mientras que el trabajo de Cucher se originó en el teatro y el vídeo.
Su
interés radica en la “creación de metáforas visuales para el creciente papel
que juegan las nuevas tecnologías en nuestras vidas y cómo nos afectan
política, social y psicológicamente”. Explorar las posibilidades de los seres
humanos en un momento en que nosotros y la naturaleza nos podemos transformar
de “formas conocidas en formas desconocidas”, como el resultado del potencial
inherente a la unión de la informática, la biotecnología, la genética y la
nanotecnología.
Alain Fleischer
En
su trabajo aparecen dispositivos muy elaborados que ponen en escena juegos de
espejos, ilusiones y simulacros, como en la serire “Happy Days” (1985-1988) o
“Les Voyages parallèles” (1991). El trabajo de Fleischer mezcla diferentes
códigos –lúdico, erótico, artístico (con fragmentos tomados de la pintura, la
escultura, la literatura) -, poniendo en juego simultáneamente diversos
parámetros: el movimiento y la luz.
No hay comentarios:
Publicar un comentario